▲《泉》杜尚 1917/1964,瓷,360 × 480 × 610mm 原作1917年首展于纽约后遗失
There really is no such things as Art. There are only artists。没有艺术,只有艺术家。
—– Ernst Gombrich 贡布里希
关于艺术品的价值,要从马塞尔·杜尚(Marcel Duchamp)说起。1917年的纽约秋季沙龙评委会拒绝了匿名作品“泉”,一个倒挂的小便池,为此杜尚退出了评委会。当前杜尚的“泉”已经超过毕加索的大作“亚维农”的少女,成为20世纪最具影响力的艺术作品。杜尚为什么要这么做呢?他在写给好友汉斯·李希特(Hans Richter)的信中说:当我发现“现成品(Ready-made)”的时候,我是想通过它来减弱人们对美学的吹捧。但是新达达主义者想在“现成品”中寻求美学价值。我就把“晾瓶架”和“小便池”抛出来刺激他们,结果没想到他们真地欣赏它们的“美感”。
其实艺术本身离我们并不遥远,甚至进到触教可及,就像时下正火的共享单车,将其拆解并重新组装不就成功的复制除了毕加索同学著名的构成主义经典之作,艺术分前提是创新和大胆的尝试。(破坏公共设施,处五日以下拘留或五百元以下的罚款,情节严重的处五日以上十日以下的拘留可以并处我百元以下的罚款👮👮💰💰)
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1914 到1918年间,主战场为欧洲的第一次世界大战让人类再次经历了除疟疾等其他致死率极高病毒之外人类又一次浩劫,15亿人口被卷入了这场战争,3000多万的伤亡,这无疑是人类发展史中又一次挥之不去的污点,各个参战国都为之付出了沉痛而又无法挽回的代价,世界格局因此又再次重新被划分,背后便是大国之间的政治军事之间的博弈,但是对于整个人类来说,这场战争对于人类价值观 宗教信仰都产生了巨大的改变,无疑对今后艺术发展的流派也产生了巨大的推动和影响 。(看来我们还需要另一场世界大战🔫💣让我们的文艺再次复兴起来。😝🕊)
1916
Zürich
DADA
达达主义是二十世纪初在欧洲产生的一种资产阶级的文艺流派,当时的一些艺术家,包括诗人、画家、摄影师、雕塑家等组织起来的艺术运动。在1916年成立于一战中保持中立的苏黎世,达达主义的理念有“反对艺术”(Anti-art),“反对战争”(Anti-war),“反对资产阶级”(Anti-bourgeois)等。很多达达主义艺术家相信,是”理性“资本主义社会的”逻辑“导致的战争。达达主义是一种无政府主义的意识运动(真好!那时候的人们的思想就已经如此之超前,不需要政府,那我们以后就不需要纳税了🙉😄)从这里我们不难看出,它对于当时社会秩序和社会准则在艺术的层面对于那些墨守成规的学院派的一种质疑对于传统强权的一种挑衅,对于当时所有艺术的标准进行激烈的抨击,公开进行集会示威,在达达主义的刊物之中对于艺术政治文化都发表者自己独特而又激进的言论。
▲ Marcel Duchamp,1887–1968
▲ Sunday morning
许多达达主义者认为达达不是一种艺术,当然也竭力去反对一切当时一切主流的艺术,看似有些矛盾的艺术却从背后反映出了对于当时社会的形态一种质疑,当时人们所有的美好的意识形态都毁于一次世界大战,对于艺术却又相当敏锐嗅觉的艺术家们用自己擅长而又敏锐的嗅觉去从艺术的角度深挖它的本质,将那些包装于义正言辞之下而包裹着残酷又血腥的战争动机的政治军事家抨击的体无完肤,从个人角度去看待这样的对立,更多是阶级的对立意识的对立,当然包括无政府主义也是一种主义,无态度无思想其实也是一种抽离原有意识形态的态度和思想。
对于那个年代成长起来的不论是艺术家还是普通民众,从残酷战争中存活下来的人们对与所处的生活环境与政治制度对产生了怀疑,这也是产生两极分化的关机时期,包括对于宗教对于自己的信仰也有动摇,对于精神世界的需求就显得更加迫切,所以此时达达主义应运而生为了时代的需求,踩着七彩祥云🌈便来到了我们身边😍。通过达达主义的书籍刊物也能感受到当时世界格局下的新思想与新浪潮。
而近代比较有名的波普艺术也是来源于达达主义,二十世纪五十年代诞生于英国,其反对一切虚无思想,通过塑造那些夸张却又写实的事物来去表达自己的思想。 波普风格这个词来自英语的Popular(大众化),二战后出生的新生一代对于风格单调、乏味枯燥的现代主义 更倾向于在作品中展示自我,所以在当时特殊的历史背景下面英国的波普思想和二战后美国大众文化包括电影 音乐 绘画 消费文化都产生了相应的结合,加上西方文化向世界各国的文化输出,波普艺术流派得到空前推广,直到现在还有许多艺术家仍旧是波普艺术的狂热追随者。小编也很纳闷,为什么西方国家的艺术家们在对一种传统的枯燥的艺术感到疲倦之后就能衍生出一种新的文化,一种新的思潮,从而向全世界去输出那种价值观,而我们却又五千年的历史,向世界输出的去只有熊猫🐼,火锅🍲,我们的核心价值观是不能以熊猫和火锅为载体而被输出的😭,所以我们手机前面的艺术家们,任重而道远🙏革命尚未成功同志任需努力啊⛽️)
1950
Andy Warhol
说到近代波普艺术不得不提到一位那就是安迪霍尔,一位充满了正义的艺术家,童年患“风湿性舞蹈症”的神经系统疾病,让其足不出户 也许正是那段时间的所阅读大量的彩色杂志漫画等,对成为今后波普大师产生了深远的影响。(ps小编一朋友也是Andy Warhol的狂热粉丝热爱绘画热爱波普艺术,高中身体原因休学一年,自命不凡认为也会成为像Andy Warhol那样的艺术家大师✊,然而现在开了一家打字复印公司😷没错是复印公司🤒用他的话说是在延续波普艺术的精髓😜💀。。。。。)
▲ The Velvet Underground
安迪 沃霍尔的第一件创作是可口可乐。“你在电视上看到可口可乐时,你可以知道总统喝可口可乐,利兹·泰勒喝可口可乐,你也可以喝可口可乐。你喝的可口可乐和别人喝的一样,没有钱能使你买到比街头流浪汉喝的更好的可口可乐。所有的可口可乐都是一样的,所有的可口可乐都是好的。”他琢磨着,为什么可口可乐不能成为艺术品?沃霍尔痴迷商业化,他的一生都纠缠于商业艺术。也在当时激怒了很多的艺术家,认为他过于浮躁。
在卡耐基梅隆大学学习商业艺术,并担任还担任了校内报纸《CANO》的编辑,在这里也渐渐形成了他标志性的插画风格,包括在离开匹斯堡孤身前往纽约,不计其数的挫折甚至是羞辱对于他日后所创作的波普艺术作品也起到了风格熟成前的积淀, 沃霍尔的影响已经超越了艺术并且延伸到了音乐和电影,在1965年,沃霍尔遇见了Paul Morrissey,他给沃霍尔介绍了The Velvet Underground的一个演出。沃霍尔和乐队的艺术兴趣相似,还设计了1967年乐队的专辑封面,一只黄色的香蕉,这张专辑在滚石杂志选出的500张历代最强专辑中排名第13位。像他的很多作品一样,Campbell罐头的的版画来自于一个折中的想法。在一次宴会上,沃霍尔的朋友Muriel Latow建议他绘画罐头的作品,后来他画了32副罐头作品,画面上,呈现出来的图案简洁明朗,带有一种干净的、几何形的、机械的模式,硕大的logo宣告着它的商品身份。后来他通过这32幅系列画举办了自己的首个波普艺术展,至今这32罐罐头仍在世界现当代美术史上占据一席之地。
对于他的作品,哈罗德·罗森伯格曾经戏谑地说:“麻木重复着的坎贝尔汤罐组成的柱子,就像一个说了一遍又一遍的毫不幽默的笑话。”他偏爱重复和复制。“我二十年都吃相同的早餐,”他解释说:“我想这也是反复做同一件事吧。”对于他来说,没有“原作”可言,他的作品全是复制品,他就是要用无数的复制品来取代原作的地位。他有意地在画中消除个性与感情的色彩,不动声色地把再平凡不过的形象罗列出来。他有一句著名的格言:“我想成为一台机器”,恰与杰克逊·波洛克所宣称的他“想成为自然”形成鲜明对比。他的画,几乎不可解释,“因而它能引起无限的好奇心——是一种略微有点可怕的真空,需要用闲聊和空谈来填满它。”实际上,安迪·沃霍尔画中特有的那种单调、无聊和重复,所传达的是某种冷漠、空虚、疏离的感觉,表现了当代高度发达的商业文明社会中人们内在的感情。
到底该怎样去评价安迪 沃霍尔,直到今天仍旧有很大的争议,波普艺术家?电影制片人?作家?摇滚乐作曲者?出版商?迷恋浮华时尚的虚荣的人?他甚至同时具有灰姑娘和吸血鬼的人格特质。时至今日,关于他的争议还在发酵。有人认为他以重复、复制为特点的艺术作品不算原创、不值一提。无论争议还将来得多么猛烈,安迪·沃霍尔已经在当代艺术史上书写下了浓墨重彩的一笔,缔造了真正可以对抗传统的、商业的、消费的、平民的、世界性的艺术——一个消费时代的艺术神话。这不仅仅是指他的艺术作品,更指他的思想、生活和处理艺术的方式。
现在当人们动辄去消费千万美金去购买那些大师的画作时,我总是自问半个世纪或是一个世纪之前的思潮真的对我们那样重要,亦或是那些作品真的或对我们现如今信息爆炸的时代有如此深远的影响吗?最终我发现这样的问题是完全没有答案的,当grunge风靡全球知识,Kurt Cobain依旧选择用枪结束了自己的一生,然而后世的人们依旧对其趋之若鹜,深挖grudge的本质,其实本质本就是虚无的,完全是一种方式,最大的不同也就是和大多数所谓的主流有所异同而已,可能生存在同空间下寻求不维度的人类,就是对艺术的定义。
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